10 знаковых произведений для фортепиано за последние 300 лет

У клавишных инструментов особый звуковой строй. Именно он стал основополагающим для европейской музыки. Звуки на всем диапазоне — от низких до высоких — повторяются, поэтому было решено разделить отрезок от одного повтора до другого на какое-то число. Двенадцать оказалось самым удобным. Вопреки расхожему мнению, в европейской музыке используется не семь нот, а как раз 12: семь расположены на белых клавишах фортепиано, а пять — на черных. Идеальной настройки удалось добиться не сразу. Инструменты долгое время звучали фальшиво, из-за чего композиторы избегали некоторых мелодических ходов.

Первые фортепианные произведения приписываются итальянцу Лодовико Джустини. Он родился в один год с Бахом и Генделем. В тот период фортепиано все еще был экспериментальным инструментом, в основном композиторы использовали другие клавишные: клавесины, клавикорды и их разновидности. Главное, что отличало фортепиано – при нажатии клавиш струны не защипывались, как на клавесинах, а по ним ударяли маленькие молоточки. Инструмент именно такой конструкции привлек Джустини, и он написал для него двенадцать сонат. Они и считаются первыми в истории сочинениями для фортепиано. Музыка Джустини изящна и проста, и эта простота ее абсолютно не портит.

Иоганн Себастьян Бах предпочитал сочинять для клавикордов и считал их лучшим инструментом. Новые, только входившие в практику фортепиано ему не нравились, потому что тогда мастерам еще не удалось добиться идеального звучания. Многие сочинения композитора написаны для клавикордов, но сегодня их играют как на инструментах времен Баха, так и на современных роялях. Его музыка — совершенная по замыслу и форме — стала неотъемлемой частью репертуара современных пианистов.

После смерти Баха его сочинения игрались редко, и по достоинству его творчество оценили только в XIX веке. Большой интерес к знаменитым Гольдберг-вариациям — самому длинному произведению для клавира за всю эпоху барокко — и вовсе возник у пианистов только во второй половине XX века, когда был найден экземпляр нот с авторскими комментариями. Бах внес небольшие изменения и пояснения, и именно эта версия сочинения привлекла внимание многих исполнителей. В произведении уникальное смешение разных техник, жанров и стилей, музыковеды до сих пор находят в нем все новые смыслы и отсылки. По легенде, Гольдберг-вариации писались специально для дипломата, страдавшего сильными болями и бессонницей. Ночные исполнения сочинения помогали ему расслабиться и забыть о своих недугах.

Инструменты времен Баха, а затем и Людвига ван Бетховена предназначались в основном для домашних концертов. Фортепиано были компактными и изящными, выступления проходили в небольших помещениях, и не очень громкого звука клавишных было достаточно, чтобы заполнять такие пространства. Бетховена всегда восхищали грандиозные идеи, поэтому скромные возможности существующих инструментов не всегда соответствовали его замыслам.

В период работы над Сонатой №21 Бетховен начал стремительно терять слух. Из-за болезни рушилась его карьера пианиста и мало кому в тот момент он был известен как композитор. Но никакие драматические события жизни не могли его сломить.

Эта соната, в которой он выразил свое восхищение природой, была написана как будто на вырост: при исполнении на современных инструментах — более мощных и технически совершенных — палитра звуковых оттенков в ней раскрывается в полной мере. Соната №21 одно из знаковых сочинений Бетховена и одно из самых духоподъемных произведений в истории музыки.

В середине XIX века концерты из домов аристократов стали перемещаться в общественные пространства. Это время — расцвет строительства больших залов по всей Европе и в России. На смену миниатюрным пьесам и мягкой манере игры пришли сложнейшие произведения и энергичный исполнительский стиль. Пианисты стали важными героями светской жизни. Особо впечатлительные слушательницы на концертах падали в обморок и нередко писали своим кумирам восторженные стихи.

В больших залах появились и большие инструменты — рояли. К середине XIX века их конструкция стала почти такой же, как и у современных. Эти мощные фортепиано открыли новые возможности для композиторов. Значимую роль здесь сыграли педали: они придавали звучанию объемность и насыщенность.

Сложные и неоднородные фактуры лучше всего удавались композиторам-импрессионистам. У француза Клода Дебюсси произведения для рояля по красочности ничуть не уступают оркестровым. Композитора вдохновляла природа, а названия его сочинений часто выглядят как цитаты из поэзии. В произведении Images («Образы») есть луна, небо, листва, вода и даже золотые рыбки. Дебюсси не сомневался в успехе произведения, ставил его в один ряд с пьесами Шопена и Шумана и в конце концов его надежды оправдались: сочинение заняло достойное место в литературе для фортепиано.

В начале XX века возможностей даже больших концертных роялей композиторам оказалось мало, и они начали искать другие способы игры и сочинения музыки. Радикальный мыслитель и композитор Иван Вышнеградский открыл для себя особую технику письма: микрохроматику. При таком методе деление звукоряда происходит не на 12 звуков, а на большее число, в зависимости от того, сколько их понадобится автору. Микрохроматика – строй, характерный для азиатской или народной музыки. Как приём она используется в джазе, блюзе (так называемые «блюзовые ноты», звучащие чуть выше или чуть ниже обычных) и авангардном роке. Микрохроматика часто встречается в пьесах композиторов XX века и современных авторов, а Вышнеградского считают одним из ее пионеров.

На стандартном фортепиано такого строя добиться невозможно, потому что расстояния от одного звука до другого фиксированные. Именно поэтому Вышнеградский решил создать специальный инструмент с увеличенным количеством звуков и клавиш. Когда новое фортепиано наконец изготовили, выяснилось, что играть на нем неудобно, пришлось использовать классические инструменты. При исполнении сочинений композитора задействуются два рояля, настроенных по-разному. Вместе они звучат как будто бы «грязно», но в этом несовершенстве и заключается красота микрохроматической композиции. Самым известным произведением Вышнеградского стали Прелюдии. Обычно их исполняют два пианиста, но встречаются и те, кто умудряется в одиночку играть сразу на двух инструментах.

В начале ХХ века обнаружилось, что играть можно на разных частях инструмента и при этом не обязательно использовать клавиши. Американский композитор и музыковед Генри Кауэлл стал одним из первых, кто начал сочинять пьесы для фортепианных струн. В последствии разные приемы игры внутри роялей практиковать в своих пьесах Джон Кейдж, Джордж Крам, София Губайдулина, Джон Лютер Адамс и многие другие. При прослушивании произведения Кауэлла The Banshee даже невозможно узнать тембра инструмента, кажется, что звучат арфа и ударные. Банши, в честь которой было названо произведение, — фея-вестница смерти из ирландского фольклора, и пугающие завывания струн, сопровождаемые грохотом, как нельзя лучше передают этот мистический образ.

К середине XX века композиторы стали активно комбинировать разные приемы игры. Многим хотелось уйти от узнаваемости тембра фортепиано, поэтому внутрь инструмента (на струны и между ними) стали помещать предметы – болтики, пластилин и любые другие объекты — которые создавали уникальное, ни на что не похожее звучание.

Адептом этой идеи был американский композитор Джон Кейдж. Он старался уйти от элитарности в музыке и поэтому в своих произведениях нередко использовал бытовые вещи (например, посуду), игрушечные инструменты. У него есть несколько работ для подготовленного фортепиано, и в партитурах, помимо привычных нот на пяти линеечках, еще пишется инструкция о том, как препарировать инструмент: какие объекты использовать, куда в рояле их класть. В сочинениях для препарированных фортепиано много шумовых эффектов. В Сонате №5 создан особый тембр, напоминающий на звучание гамелана — индонезийского оркестра, состоящего из ударных инструментов.

Вышнеградский использовал два рояля, чтобы добиться многослойности звучания, а американский композитор Стив Райх, один из основоположников минимализма в музыке, — для создания необычных ритмических эффектов. Сочинения в этой композиторской технике строятся на многочисленных повторах одинаковых или почти одинаковых музыкальных фраз (паттернов). В культовой пьесе Райха Piano Phase двое пианистов начинают играть одновременно, но затем один из них как будто бы запаздывает или отстает. При этом возникают удивительные акустические эффекты: расслоения звуков и эхо. Piano Phase звучит совсем не как академическое сочинение, ведь Райх в этом произведении использовал такие приемы, как loop и delay, активно используемые в электронной музыке. Это сложнейшее сочинение можно будет услышать в блистательном исполнении Михаила Дубова и Владимира Иванова-Ракиевского на фестивале SOUND UP forte 14 июля.

Фортепиано продолжает вдохновлять композиторов на эксперименты. И часто становится героем в перформативных произведениях, в которых вместе со звучанием самого инструмента важность приобретают визуальные элементы. Во второй части цикла Musica Sacra композитора Ольги Бочихиной большое значение имеют жесты и движения исполнителя. Пианист не только играет, но и делает вид, что играет: беззвучно касается клавиш, иногда его пальцы как будто бы прилипают к клавиатуре. Партия фортепиано дополнена электроникой. В начале их звуковые линии почти синхронны, но ближе к середине они начинают расходиться, а партия электроники из шумовой все больше имитирует тембр и характер звучания рояля.

Перформансы — одно из интереснейших направлений, в котором развивается современная музыка, и взаимодействие с инструментом здесь может проявляться совершенно по-разному. Музыканты в экзотических костюмах, съемка live-видео, работа со светом и дополненной реальностью — проще сказать, чего невозможно встретить в этом жанре. В общем, композиторы, занимающиеся перформансами, всегда найдут, чем удивить публику, даже если работают с классическими роялями и пианино.

Без фортепиано сложно представить не только современную академическую сцену, но и другие — импровизационную, джазовую, электронную. Важную роль стали играть синтезаторы, хотя и классическим инструментам здесь находится интересное применение. Немецкие музыканты — дуэт Grandbrothers — используют концертные рояли в качестве библиотеки всевозможных семплов. Они препарируют инструмент, устанавливают внутрь и вовне самые современные примочки и преобразуют акустические звуки в электронные. В своих live-сессиях Grandbrothers буквально на глазах у публики собирают трек. Все элементы — от мелодической линии до шумовых эффектов — сделаны только лишь из материала, записанного и преобразованного с помощью рояля.