На изящном: как Эльза Скиапарелли привела изобразительное искусство в высокую моду

Автор телеграм-канала Art is New Sexy Мария Аборонова на этой неделе вспоминает, как художники и модные дизайнеры начали шагать рука об руку.
На изящном: как Эльза Скиапарелли привела изобразительное искусство в высокую моду
«Правила Жизни»

Совсем недавно мы обсуждали последнюю коллекцию Schiaparelli весна–лето 2023. Больше всего — наряды с головами льва, рыси и волчицы. Зацепившись за слова создателя коллекции и креативного директора бренда Дэниела Розберри, что это была изящная отсылка к «Божественной комедии» Данте Алигьери, многие пропустили другой его комментарий: «Художественное наследие сюрреализма никогда не было более живым, чем сегодня». А это была уже отсылка к истории модного дома и сотрудничества его основательницы Эльзы Скиапарелли в 1910-х годах с именитыми современными художниками. XX век, в котором были основаны многие модные дома, был знаменит своими «артификациями», или, как бы сейчас сказали, коллаборациями с именитыми художниками.

РЕКЛАМА – ПРОДОЛЖЕНИЕ НИЖЕ

Почему в начале XX века художники начали работать с модельерами?

In difficult times fashion is always outrageous. /«В тяжелые времена мода всегда неистовствует».

© Эльза Скиапарелли

Мода и искусство переплелись к началу XX века — спасибо движению постмодернизма. Постмодернизм тогда охватил почти все области знания: науку, философию, политику, новые технологии, культуру, искусство.

Ирина Шейк на показе Schiaparelli, 2023
Ирина Шейк на показе Schiaparelli, 2023
Getty Images

Появление этого движения объяснялось экономическими и социальными трансформациями. Еще в середине XIX века на фоне агрессивной индустриализации и появления новых женских профессий сформировались первые движения за права женщин. Им официально разрешили работать, а значит, требовалась соответствующая одежда — женщины выстроились в очередь к модельерам. Поэтому в конце XIX — начале XX века стали открываться первые дома моды.

РЕКЛАМА – ПРОДОЛЖЕНИЕ НИЖЕ

В 1925 году в Париже прошла Всемирная выставка современного декоративного и промышленного искусства Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes. Отложенная из-за Первой мировой войны на десять лет, она была посвящена основным трендам в архитектуре, изобразительном и декоративном искусстве. Ее сокращенное название на французском — Arts Décoratifs — дало имя новому стилю в искусстве: ар-деко.

РЕКЛАМА – ПРОДОЛЖЕНИЕ НИЖЕ

Ар-деко от предшествовавшего ему модерна, или ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), отличался в первую очередь эклектичностью. Новый стиль объединял различные художественные направления прошлых эпох: японское, китайское, египетское искусство, заимствование элементов этнических стилей.

В противовес модерну, выступавшему за натуральность и против прогресса, ар-деко использовал новые блага индустриализации что в разработках, что в материалах. Правда, в начале XX века, когда люди уже познали кинематограф, телефон и автомобиль, странно было бы делать ставку на рукотворное.

Не будем забывать, что первая половина XX века — время турбулентное (две мировые войны и три революции в России). Люди постоянно находилось либо в довоенном, либо в послевоенном состоянии. Поэтому хотелось окружать себя красивым. В ар-деко активно использовались дорогие материалы: слоновая кость, кокос, перламутр, кожа и шерсть диких животных. Новое направление обеспечивало иллюзию благополучия и «роскошной жизни».

Эльза Скиапарелли х Сальвадор Дали, «Платье с омаром», 1937
Эльза Скиапарелли х Сальвадор Дали, «Платье с омаром», 1937
Philadelphia Museum of Art
РЕКЛАМА – ПРОДОЛЖЕНИЕ НИЖЕ
РЕКЛАМА – ПРОДОЛЖЕНИЕ НИЖЕ


Культурным центром нового движения стал Париж, что, конечно, неудивительно. Вспомним, какое влияние на европейскую публику оказали «Русские сезоны» Сергея Дягилева и художников объединения «Мир искусства» во главе с Александром Бенуа. Помимо постановок балета и оперы, революцию в сознании произвели декорации и костюмы авторства современных художников: Николая Рериха, Льва Бакста, Натальи Гончаровой, Михаила Ларионова, Анри Матисса, Пабло Пикассо и других.

Взяв пример с «мирискусников», модельеры перенесли в одежду элементы кубизма, фовизма, конструктивизма, супрематизама, сюррелизма и прочих измов.

Сальвадор Дали, скульптура «Телефон-омар», 1936 год. Музей Дали в Лондоне, Музей телекоммуникаций во Франкфурте, Фонд Эдварда Джеймса в Нью-Йорке, галерея Тейт Модерн в Лондоне
Сальвадор Дали, скульптура «Телефон-омар», 1936 год. Музей Дали в Лондоне, Музей телекоммуникаций во Франкфурте, Фонд Эдварда Джеймса в Нью-Йорке, галерея Тейт Модерн в Лондоне
Legion-Media

Но Эльза Скиапарелли пошла еще дальше. Она была первой, кто привлек современного художника к работе над коллекцией. В сотрудничестве с Сальвадором Дали они сшили знаменитое длинное белое платье из шелковой органзы с омаром на подоле, шляпу — баранью отбивную, шляпу-туфлю, шляпу-телескоп, черные перчатки с золотыми ногтями и многое другое. По рисункам не менее известного сюрреалиста Жана Кокто Эльза создала жакет с «обнимающими руками» и платье с вышивкой, на которой два женских профиля выглядят как ваза с цветами. Чтобы окончательно превратить жакет в произведение искусства, Жан Кокто вышил на нем свой автограф. Ход, тоже подсмотренный у «Русских сезонов»: в 1920-е Дягилев просил художников оставлять на костюмах артистов авторские росписи, чтобы потом продавать их в пользу будущих постановок.

РЕКЛАМА – ПРОДОЛЖЕНИЕ НИЖЕ

Дружба Эльзы Скиапарелли с выдающимися художниками современности мотивировала другие модные бренды. Вспомнить хотя бы вереницу коллабораций Louis Vuitton с разнокалиберными художниками (в начале зимы люксовый бренд масштабно подсветил сотрудничество с Яеи Кусамой). Смысл прост: во-первых, дизайнеры и бренды лишний раз подчеркивают свой вес, во-вторых — оставляют отпечаток в вечности, потому что искусство, в отличие от моды, вечно.